Industrias del Entretenimiento en la Actualidad

por Nicolás Rojas

Mucho ha cambiado desde los inicios de las industrias del entretenimiento. Todo se ha masificado, han existido cambios de formatos, de soportes, de transmisión y por sobre todo, ha aparecido la Internet. A continuación realizaremos un breve análisis y  cronología sobre el estado actual de las 3 más grandes industrias del entretenimiento: La música, el cine y la televisión.

La industria musical vende composiciones, grabaciones y presentaciones musicales. Dentro de los individuos y organizaciones que operan dentro de la industria se encuentran los músicos quienes componen y tocan la música, las compañías y profesionales quienes crean y venden los discos (publicistas musicales, productores, ingenieros, sellos discográficos, tiendas de discos y online, productoras de conciertos), aquellos que preparan conciertos (agencias de reservas, promotores, venues, el equipo de la gira), los profesionales que asisten a los músicos y sus carreras ( managers de talento, managers de negocios, abogados), aquellos que transmiten música (radios satelitales y emisoras) y también periodistas, educadores, fabricantes de instrumentos y otros.

Hasta el siglo XVIII, los procesos de composición formal y de impresión de la música se llevaban a cabo en su gran parte gracias al patrocinio de la aristocracia y la iglesia. A mediados y casi fines de este siglo, intérpretes y compositores como Wolfgang Amadeus Mozart comenzaron a buscar oportunidades comerciales para poder llevar su música al público general. Luego de la muerte de Mozart, su esposa Constanze Weber continuó el proceso de comercialización de su música a través de una serie de conciertos en memoria del difunto, vendiendo sus manuscritos y colaborando con su segundo marido, Georg Nissen, en una biografía de Mozart.

En el siglo XIX, quienes publicaban la música impresa dominaban la escena musical. En los Estados Unidos, la música surgió al mismo tiempo con el maquillaje de negro en los skits del teatro estilo minstrelsy. A finales de este siglo un grupo de compositores y publicistas quienes dominaban la música popular en E.E.U.U. fueron conocidos como Tin Pan Alley.

A comienzos del siglo XX, la grabación de sonido comenzó a funcionar cómo la nueva tecnología en el mercado de la música.  Con la invención del fonógrafo por Thomas Alva Edison en 1877 y la masificación de la radiocomunicación, la manera de escuchar música cambiaría para siempre. Casas de opera, halls de conciertos y clubes continuaron su producción musical, pero el poder de la radio permitía que incluso las bandas más oscuras se formaran y se popularizaran en una escala nacional e incluso internacional.

La “industria de grabación” eventualmente remplazó a la música impresa como la fuerza más grande de la industria. Una cantidad de sellos iban y venían. Algunas compañías de comienzos incluían Columbia Records, Edison Bell, The Gramaphone Company, Pathé y otras.

Muchas compañías quebraron rápidamente luego de haberse formado, y para finales de 1980, los “Seis Grandes” (EMI, CBS, BMG, PolyGram, WEA y MCA) dominaban la industria. Sony compró CBS records en 1987 y cambió su nombre a Sony Music en 1991.  A mediados de 1998, PolyGram se fusionó dentro del Universal Music Group (antes MCA), dejando a los líderes en los “Cinco Grandes” (quienes en 2004 pasaron a ser sólo cuatro cuando BMG se fusionó a Sony).

En cuanto a los géneros, los empresarios de la música expandieron sus modelos hacia áreas como la música Folk, cuya composición e interpretación había continuado por siglos bajo una base de auto apoyo. Formar un sello independiente (o “indie”) continúa siendo una alternativa popular para músicos emergentes que desean que su trabajo sea escuchado a pesar de la diferencia monetaria con los grandes sellos.

En el siglo XXI, los consumidores gastan mucho menos dinero en música en comparación a los años 90’, en todos los formatos. Las recaudaciones por CDs, vinilos, cassettes y descargas digitales en el mundo descendieron un 25%, de $38.6 billones US en 1999 a $27.5 billones US en el año 2008 según la IFPI. Forrester Research predice que para el 2013, las recaudaciones en los Estados Unidos podrían alcanzar una baja de hasta los $9.2 billones US. Esta dramática baja ha causado una gran escala de despidos en la industria, llevando a compañías a quebrar y ha forzado a los sellos, productores, estudios, ingenieros y músicos a buscar nuevos modelos de negocios.

A comienzos de la decada, la industria tomó acción agresiva  contra el intercambio ilegal de archivos. En el 2001 lograron cerrar Napster (la fuente digital líder de música), y ha amenazado a miles de individuos con acciones legales. Esto no logró aumentar las recaudaciones y fue un desastre de relaciones públicas. Las descargas digitales legales se expandieron con el debut del iTunes Store en el año 2003. La popularidad de la distribución por Internet ha aumentado y en el año 2009, según la IFPI, más de un cuarto de todas las recaudaciones mundiales vienen de canales digitales.

En nuestro país el tema de las descargas pagadas aún no toma vuelo, debido al bajo control de la piratería y derechos de autor, pero el negocio que ha resultado rentable han sido los conciertos, con un aumento considerable de bandas de todo el mundo que visitan nuestro país y el aumento de venues disponibles para estos.

La industria cinematográfica consiste en las instituciones técnicas y comerciales para el desarrollo del cine (productoras, estudios, festivales, distribuidoras y otras). Como industria propiamente tal, los centros más grandes son los Estados Unidos, India, Hong Kong y Nigeria, por lo que nos centraremos en la más grande, E.E.U.U.

La primera película realizada fue “The Story of the Kelly Gang”, un film Australiano basado en el infame Ned Kelly. En 1906 Dan Barry y Charles Tait de Melbourne produjeron y dirigieron la cinta muda que tenía una duración de 80 minutos. No fue hasta 1911 que otros países comenzaron a realizar películas. Para esta fecha, Australia había realizado ya 16 cintas.

A comienzoa s de 1910, la industria ya había emergido con la cinta de D.W. Griffith “The Birth of a Nation”. También a comienzos de los 1900, productoras de Nueva York y de Nueva Jersey comenzaron a mudarse a California debido al buen clima y los días eran más largos. A pesar de que la luz eléctrica ya existía, no eran lo suficientemente poderosas para la exposición en el fílmico, haciendo de la mejor luz aquella del sol. Además del clima seco y moderado, el cambio también se fundamentó por los espacios abiertos y la variedad de escenarios.

Otra de las razones para distanciarse hacia California fue el hecho de que le dificultaba a Edison hacer valer sus patentes. En ese momento, Edison poseía casi todas las patentes referentes a la producción de películas y, en la costa Este, los productores que actuaban independientemente de  la Edison Motion Picture Patents eran demandados o consumidos por Edison y sus agentes. De esta manera, los realizadores trabajando en la costa Oeste podían trabajar independiente del control de Edison.

El primer estudio en el área de Hollywood, Nestor Studios, fue fundado en 1911 por al Christie para David Horsley en un antiguo edificio al noroeste del Sunset Boulevard. Ese mismo año, otras quince productoras independientes se instalaron en Hollywood. Este lugar se asoció tan fuertemente con la industria que coloquialmente la palabra “Hollywood” se utilizó para referirse a la industria en su totalidad.

En el año 1913, Cecil B. DeMille, en asociación con Jesse Lasky, arrendaron una granja con un estudio en la esquina sudeste de las calles Selma y Vine donde comenzaron la producción de “The Squaw Man” en 1914. Fue conocido como le Granja Lasky-DeMille y ahora es donde se encuentra el Hollywood Heritage Museum.

Los estudios Charlie Chaplin al sur del Sunset Boulevard fueron construidos en 1917. Ha tenido muchos dueños después de 1953, incluyendo Kling Studios, quienes producían la serie de televisión de superman con George Reeves, CBS quienes filmaban la serie “Perry Mason” con Raymond Burr. Actualmente alberga a “The Jim Henson Company”, hogar de los Muppets. En el año 1969, la Junta cultural de Los Angeles nombró al estudio un monumento cultural e histórico.

El famoso letrero de Hollywood originalmente decía “Hollywoodland”. Fue corregido en 1923 para promocionar un nuevo desarrollo de casas en la colina arriba de Hollywood. Por muchos años el letrero fue dejado en deterioro. En 1949 la Camara de Comercio de Hollywood se ofreció para retirar las últimas cuatro letras y reparar el resto. El letrero, ubicado sobre Mount Lee, es ahora una marca registrada y no puede ser usado sin el permiso de la Cámara de Comercio, la cual también maneja el Paseo de la Fama.

La primera entrega de los Premios de la Academia tuvo lugar el 16 de Mayo de 1929 en un banquete que se llevó a cabo en el Hotel Hollywood Roosevelt en el Hollywood Boulevard. Los boletos se vendían a $10.00 US y atendieron 250 personas.

Desde 1930, cinco de las grandes productoras de Hollywood de todo el territorio de Los Angeles (Paramount, RKO, 20th Century Fox, MGM y Warner Brothers) poseían una amplia y gran cantidad de cines a lo largo del país para la exhibición de sus películas. El periodo entre los años 1927 (el final de la era silente) a 1948 es considerado como la era del “Hollywood Studio System”, o, en un denominativo más común, “La Era Dorada”. En 1948, por orden judicial, la Corte Suprema dictó que los estudios no podían ser dueños de cines donde exclusivamente se pasaran películas de ellos y con sus estrellas, terminando oficialmente una etapa en la historia de Hollywood. A mediados de la década del 50’, cuando la televisión se mostró como medio rentable que había llegado para quedarse, los estudios comenzaron a ser utilizados para realizar programas para este medio, lo que aún se mantiene.

Durante los 60’ el “Studio System” decayó ya que muchas películas eran filmadas en locación en otros países o utilizando estudios afuera, como los estudios Pinewood en el Reino Unido. Las películas hollywoodenses seguían apuntando a un segmento más familiar y aquellas más clásicas eran las más exitosas. Producciones como “Mary Poppins” (1964), “My Fair Lady” (1964) y “The Sound Of Music” (1965) se encontraban entre las que más recaudaban. El crecimiento de productores independientes y también el poder individual de los actores contribuyeron al decaimiento dela producción tradicional en Hollywood.

En esta década también se comenzó a prestar atención a las producciones extranjeras cómo la Nueva Ola Francesa (Francoise Truffaut), el Neorrealismo Italiano (Vittorio De Sica) y el Free Cinema de Inglaterra (Lindsay Anderson).

A finales de la década, los cineastas de Hollywood comenzaron a crear films más innovadores que reflejaban la revolución social vivida en el mundo occidental, comenzando la era del “New Hollywood” con films como “Bonnie and Clyde” (1967), “Rosemary’s Baby” (1968) e “Easy Rider” (1969).

Durante los años 70, un nuevo grupo de cineastas norteamericanos emergieron, tales como martin Scorssese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas y Brian De Palma. Esto coincidió con la popularidad de la teoría del “Auteur” el el cine, la literatura y los medios, la cual señalaba que cualquier creación creativa respondía a la manera del autor de expresar sus sentimientos y visión personal. El desarrollo de este estilo les permitía tener mucha más control creativo de los proyectos, lo cual no hubiese sido posible años anteriores. Esto llevó a muchos éxitos tanto comerciales como en la crítica (“Taxi Driver”, “The Godfather”, “Jaws” y otros). El éxito de películas como “Jaws” o “Star Wars” introdujo el concepto de los “Blockbusters”.

En la década del 80, la audiencia comenzó cada vez más a ver películas en su casa mediante los VHS. A comienzos de esa década, los estudios intentaron tomar acciones legales en contra de poseer un reproductor de VHS en casa, lo que no resultó. Eventualmente, la venta y arriendo en  “Home Video” se convirtió en una plataforma secundaria para la exhibición de películas bastante rentable.

La combinación Lucas-Spielberg dominó Hollywood por gran parte de la década y llevó a mucha imitación. Dos secuelas de “Star Wars”, tres de “Jaws” y tres películas de “Indiana Jones” ayudaron a que las secuelas fueran un gran negocio. Lejos el mayor logro comercial de la década vino en el último año de esta con el estreno de la versión de Tim Burton de “Batman”, la cual le significó sólo a Jack Nicholson una ganancia total de $60 millones de dolares.

El comienzo de los 90 vio el desarrollo comercial de un cine independiente. Sin embargo la taquilla seguía siendo dominada por los efectos especiales cómo en “Terminador 2: Judgment Day”, “Jurassic Park” y “Titanic”. Por la otra parte, películas independientes como “Reservoir Dogs” de Quentin Tarantino tuvieron éxito tanto en la taquilla cómo en home video.

Los grandes estudios crearon sus propias productoras “independientes” para financiar y producir películas que no eran mainstream. Una de las productoras independientes más exitosas de los 90, Miramax Films, fue comprada por Disney el año antes del lanzamiento de la película de tarantino “Pulp Fiction”. Las películas animadas volvieron a ganar popularidad en esta década, tales como “Beauty and the Beast”, “Aladdin”, y “The Lion King”, las tres de Walt Disney Pictures. En el año 1995 el primer largometraje realizado en animación por computadora, “Toy Story”, fue producido por Pixar y distribuido por Disney. Luego del éxito de “Toy Story”, la animación por computadora se convirtió en la técnica dominante para la animación. Otro cambio ocurrido a finales de la década fue el paso a soportes digitales para la realización de películas, y en el ámbito del home video, el VHS es reemplazado por los DVD.

En el nuevo milenio, continúo la norma de los blockbusters y las trilogías como la de “The Matrix”. Muchas películas eran lanzadas simultáneamente en teatros IMAX, siendo al primera “The Treasure Planet” (2002) de Disney y siendo la primera live action “The Matrix Revolutions”. A fines de la década “The Dark Knight” ha sido la primera película que se ha filmado parcialmente con tecnología IMAX.

Más reciente ha nacido un boom por el 3D, utilizando cámaras Reality Camera System, utilizadas en la filmación de películas como “Spy Kids 3D: Game Over”, “Aliens In The Deep” y “The Adventures of Sharkboys and Lavagirl in 3D”.

El último año las películas en 3D han ganado aún más popularidad. Luego de que la película de James Cameron “Avatar” se convirtiera en la película que más dinero ha recaudado en la historia, muchas han decidido optar por el 3D como opción, siendo las de más éxito (tras “Avatar”) películas de animación: “How to Train Your Dragon” de Dreamworks y “Toy Story 3” de Disney/Pixar.

En Chile, hablar de industria aún es muy pronto. Si bien las últimas tecnologías hacen más factible la realización audiovisual, y sumado al hecho de que cada vez existe más variedad de películas (en cuanto a géneros) producidas, aún así estamos muy lejos de hablar de industria, tomando mucho más en cuenta que la exhibición es dominada, incluso aquí, por Hollywood.

La industria televisiva tiene sus orígenes en el año 1884, cuando el alemán Paul Nipkow diseña un sistema para separar una imagen en líneas que eran transmisibles,  este invento es conocido como el “Disco Nipkow”.

Durante las décadas del ‘20 y los ‘30, empresas como General Electric, RCA y AT&T, además de empresarios cómo John Bird y Charles Frances Jenkins intentan desarrollar la televisión mecánica. A finales de los años ’20 existen grandes avances referente a la televisión mecánica y se desarrollan tubos de rayos catódicos, los cuales reemplazaron a los discos giratorios. Para 1929 en Estados Unidos existían 15 estaciones experimentales de televisión. Salen al mercado accesorios con instrucciones para armar televisores en casa, de la mano de Baird y Jenkins junto con otros inventores.

En 1935 los últimos intentos de la televisión mecánicase imponían de mano de la BBC, quienes, convencidos por Baird, prueban un sistema avanzado de televisión mecánica, pero a pesar de esto, el futuro era la televisión electrónica.

El sistema electrónico reemplazaba al disco Nipkow por una pistola electrónica. La primera versión de esta fue desarrollada por Philo T. Farnsworth, inventor independiente este se utilizaba un rayo de electrones que escaneaba la superficie de fotosensible línea por línea. Por otra parte, la RCA promocionaba su propio sistema, el “Iconoscopio”, creación del ruso Vladimir Zworykin, en conjunto de Westinghouse, sin embargo este se basaba en el trabajo de Farnsworth.

En el año 1939, en el marco de la “World Fair” de Nueva York, la RCA presenta la televisión en el marco de “El Mundo del Mañana”, lo que apuntaba a dejar atrás los días de la Gran Depresión.

En mayo de 1940, la estación experimental de la RCA, WMBT (luego NBC), comienza su programación diaria en Nueva York.

A este paso la RCA presiona a la FCC para adoptar la norma de transmisión de 441 líneas de resolución. La FCC por presiones de terceros retrasa la determinación y finalmente en 1941 se establecen las 525 líneas de resolución que cambian cada 29,97 veces por segundo, la norma NTSC en la cual cada canal necesitaba 6 Mhz de espectro radial.

Luego de la II Guerra Mundial, todo se empecinaba para la llegada del color a la televisión, y tanto la RCA como la CBS intentan desarrollar transmisiones a color. El sistema de la CBS era de mayor calidad, sin embargo este canal no fabricaba televisores y dependía de fabricantes. En 1952, Estados Unidos registraba ventas de 15 millones de aparatos de televisión, los cuales no servían para el sistema de la CBS. Este hecho calmó la carrera por desarrollar y establecer la televisión a color.

Por su parte, la RCA siguió desarrollando su propio sistema, más deficiente, pero el cual cumplía con las normas de la FCC, la cual finalmente en 1953 adopta los requerimientos para la transmisión a color de la RCA. Sin embargo, los altos costos de la transición de blanco y negro a color, detienen el cambio. Cadenas como CBS y ABC continuaron transmitiendo en blanco y negro. Sólo para el año 1959, la cadena NBC transmitía 700 horas a color.

Finalmente entre 1966 y 1967 se definió la transmisión a color en Estados Unidos y ya para 1976, el 75% de los hogares norteamericanos disponían de aparatos a color.

En Chile el desarrollo fue tardío en relación al resto del continente, se le intentaba dar una atribución netamente educacional sin ver su potencial comercial.

Los primeros intentos son experiencias universitarias, destacando el caso de UCVTV, la cual en el año 1959 tiene su primera transmisión. Las principales trabas para el desarrollo de la televisión fueron principalmente arancelarias. La CORFO había subido los impuestos para la importación de equipos extranjeros con el fin de resaltar el material nacional, pero visto que no existían  técnicos con la capacidad de desarrollar equipamiento para la televisión y dado los grandes costos para la importación, el desarrollo se frenaba.

Sin contar con una ley en particular se estableció que este nuevo medio era un servicio público, con un énfasis educativo y cultural. El aspecto de entretención fue subestimado e incluso despreciado, incluso durante los años 60’ la publicidad estuvo prácticamente vedada.

La primera ley de televisión vino en el año 1958, la cual correspondía a la número 7039, de Carlos Ibáñez del Campo, la cual tenía al modelo radial como base y consideraba la ridícula suma de 78 canales, de los cuales 16 estarían destinados exclusivamente para universidades.

Para el año 1962, en el marco del Mundial de fútbol de la FIFA, la cantidad de televisores aumentaron de 5.000 a 20.000.

En el año 1969 TVN inicia sus transmisiones, proyecto de Eduardo Frei Montalva.

En 1970 una nueva ley se hace presenta, la nº 17.377, la cual crea el infame CNTV y las tazas de financiamiento quedan en un 10% para el CNTV y el restante 90% se reparte en un 40% para TVN y el resto entre los otros canales universitarios.

La ley de 1989 nº 18.838 finalmente abre la industria a privados nacionales y extranjeros, al CNTV se le otorgan facultades para sancionar bajo márgenes moralistas. Esta ley luego tendrá una reforma el año 1992 en la cual principalmente se libera económicamente al medio.

Actualmente, en Chile se ha definido la norma japonesa ISDB con formato mpeg4 para el paso a la televisión digital. Es un proceso que cada vez más está en experimentación, teniendo los canales del país señales de prueba para la norma digital de la alta definición.

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2 respuestas a Industrias del Entretenimiento en la Actualidad

  1. Marcelo Contreras dijo:

    Muy, pero partió mejor de lo que terminó…
    Suerte

    nota examen: 6.0

  2. Marcelo Contreras dijo:

    Me faltó escribir… quise decir “muy bien”…

    Saludos

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